Triển lãm ‘Thiên vũ’ của nữ họa sĩ Đoàn Quỳnh Như hiện đang được trưng bày tại TP.HCM, giới thiệu đến công chúng 30 tác phẩm mới, đa dạng và phong phú về chủ đề thiên nhiên và con người. Qua triển lãm này, nữ họa sĩ không chỉ thể hiện vẻ đẹp của thiên nhiên mà còn phản ánh thái độ ứng xử của con người với môi trường sống. Sự tương tác giữa thái độ con người và vẻ đẹp trời đất đã được thể hiện một cách tinh tế và sâu sắc.

Trước khi theo đuổi sự nghiệp hội họa, Đoàn Quỳnh Như đã được biết đến như một gương mặt thơ nữ hiện đại. ‘Thiên vũ’ là triển lãm cá nhân thứ ba của chị, sau hai triển lãm trước là ‘Khiêu vũ tới trập trùng’ (năm 2022) và ‘Mộng cảnh’ (năm 2024). Với chất liệu acrylic và tổng hợp trên bố, triển lãm mở ra một hành trình thị giác đầy cảm xúc, đưa người xem đến với thế giới thiên nhiên và con người.

Nữ họa sĩ Đoàn Quỳnh Như thường quan niệm rằng “hội họa là thơ im lặng, thơ ca là tranh biết nói”. Đối với chị, thơ ca là nguồn cảm hứng vô tận đã dẫn lối chị đến với hội họa. Qua triển lãm ‘Thiên vũ’, chị hy vọng thể hiện được mối liên kết sâu sắc giữa con người và thiên nhiên, cũng như thái độ ứng xử của con người với môi trường sống.

Theo nhà nghiên cứu mỹ thuật Ngô Kim Khôi, giám tuyển của triển lãm ‘Thiên vũ’, hội họa của Đoàn Quỳnh Như được đánh giá là một ngôn ngữ thầm thì nhưng có sức lay động lâu dài. Các tác phẩm của chị mở ra những không gian mơ hồ giữa thật và mộng, như thể ý niệm về thiên nhiên đang tan dần vào một ý tứ thơ thị giác.

Họa sĩ Quách Cường cũng đánh giá cao triển lãm ‘Thiên vũ’, cho rằng nữ họa sĩ Quỳnh Như đã sử dụng các hình thức xoắn ốc, vòng cung và đường cong mềm để tạo nên cảm giác uyển chuyển và hài hòa, giống như một vũ khúc. Bảng màu của chị, từ xanh thẫm đến tím than và đen huyền, gợi lên chiều sâu vô tận của vũ trụ; xen kẽ những điểm sáng vàng, trắng, bạc tựa như sao trời.

Với nữ họa sĩ Đoàn Quỳnh Như, vũ điệu thiên nhiên không chỉ là cảnh tượng mà còn là trạng thái tâm hồn hòa vào trời đất. Thông qua hội họa trừu tượng, người cầm cọ không tái hiện thiên nhiên trên thực tế mà khơi gợi cảm giác chuyển động, sự thiêng liêng và huyền bí của trời đất, đưa người xem đến với một thế giới đầy cảm xúc và suy ngẫm.

Nghệ thuật không biết đến biên giới – đó là thông điệp mà họa sĩ người Mỹ gốc Mexico Adriana Peña muốn truyền tải thông qua các tác phẩm của mình. Với nguyên tắc cơ bản là nghệ thuật có thể được hiểu và đánh giá cao vượt qua mọi biên giới, họa sĩ Peña đã thể hiện một phong cách nghệ thuật đặc trưng, kết hợp giữa nền văn hóa Mexico và Mỹ.

Phong cách tranh muralism của Mexico, một truyền thống nghệ thuật công cộng phong phú, đã được mở rộng ra ngoài biên giới quốc gia này. Đây là một thể loại nghệ thuật đường phố có nguồn gốc từ Mexico, thường được thực hiện trên các bức tường lớn ở nơi công cộng. Thông qua nghệ thuật, Adriana Peña thể hiện sự đa dạng văn hóa và làm mờ đi ranh giới giữa các quốc gia.

Các tác phẩm của Adriana Peña không chỉ là sự kết hợp giữa hai nền văn hóa mà còn thể hiện sự sáng tạo và đổi mới trong lĩnh vực nghệ thuật đương đại. Cô đã sử dụng các kỹ thuật và phương pháp khác nhau để tạo ra những tác phẩm nghệ thuật độc đáo, từ hội họa đến điêu khắc.

Với thông điệp về sự đoàn kết và đa dạng văn hóa, Adriana Peña hy vọng rằng nghệ thuật của cô có thể góp phần vào việc xóa bỏ các rào cản và ranh giới giữa các quốc gia, cũng như giữa các nền văn hóa khác nhau. Thông qua nghệ thuật, cô mong muốn chúng ta có thể hiểu và đánh giá cao sự đa dạng văn hóa trên toàn thế giới.

Họa sĩ Peña đã và đang tiếp tục tạo ra những tác phẩm nghệ thuật mới, truyền tải thông điệp về sự đoàn kết và đa dạng văn hóa. Cô hy vọng rằng nghệ thuật của mình có thể trở thành một phần quan trọng trong việc xây dựng một thế giới đa dạng và hòa nhập hơn.

Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam mới đây đã khởi động một chuỗi chương trình giao lưu và trò chuyện nghệ thuật định kỳ giữa các nghệ sĩ và công chúng. Mục đích của sự kiện này là chia sẻ những câu chuyện độc đáo về hành trình sáng tạo của nghệ thuật đương đại Việt Nam và giới thiệu những câu chuyện hậu trường về quá trình tạo ra tác phẩm của các nghệ sĩ Việt Nam hiện nay.

Buổi đầu tiên trong chuỗi chương trình này, có tên gọi “Art Talk”, đã được tổ chức với chủ đề “Trần Thanh Thục – Lặng lẽ một dòng tranh vải”. Chương trình tập trung vào hành trình nghệ thuật bền bỉ và tinh tế của họa sĩ Trần Thanh Thục, người đã dành hơn 4 thập kỷ để kiên trì sáng tác với chất liệu tranh vải – một ngôn ngữ tạo hình vừa cổ điển, vừa hiện đại nhưng ít được lựa chọn.

Họa sĩ Trần Thanh Thục, sinh năm 1960, quê Nam Định (nay là Ninh Bình), tốt nghiệp Trường Cao đẳng Mỹ thuật Hà Nội (nay là Trường Đại học Mỹ thuật Hà Nội). Bà được biết đến là một trong những người tiên phong trong việc sáng tạo dòng tranh vải và đã gắn bó với nó trong suốt 45 năm qua. Bằng cách sử dụng những mảnh vải với màu sắc khác nhau, bà đã tạo ra một phong cách nghệ thuật riêng biệt, lặng lẽ nhưng sâu sắc.

Các tác phẩm của bà không chỉ mang chất thơ, tính biểu cảm mạnh mà còn thể hiện sự tìm tòi không ngừng trong tư duy thị giác và cấu trúc tạo hình. Mỗi tác phẩm của họa sĩ Trần Thanh Thục được xem như một bản hòa ca giữa chất thơ, chiều sâu biểu cảm và cấu trúc tạo hình giàu trí tưởng tượng. Trong buổi trò chuyện, công chúng sẽ được khám phá quá trình sáng tác tranh vải của bà, từ cảm hứng ban đầu, bố cục thị giác đến kỹ thuật xử lý chất liệu như một phương thức biểu đạt nghệ thuật cá nhân.

Đặc biệt, tại chương trình, công chúng còn có cơ hội chứng kiến họa sĩ Trần Thanh Thục trình diễn và thao tác một số bước trong các công đoạn sáng tạo nên những tác phẩm nghệ thuật từ vải. Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam kỳ vọng rằng, Art Talk sẽ trở thành cầu nối sáng tạo giữa nghệ sĩ và công chúng, là nơi nuôi dưỡng tình yêu nghệ thuật, khơi gợi đối thoại và lan tỏa những giá trị thẩm mỹ sâu sắc trong đời sống đương đại.

Đây cũng là một phần trong nỗ lực của Bảo tàng nhằm đưa nghệ thuật đến gần hơn với cộng đồng, thông qua những hình thức trải nghiệm chân thực, sống động và nhân văn. Qua đó, Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam hy vọng sẽ tiếp tục tổ chức các sự kiện tương tự để tạo cơ hội cho công chúng tiếp cận và tìm hiểu về nghệ thuật Việt Nam đương đại.

Hiện đang diễn ra tại Bảo tàng Mỹ thuật TP.HCM một triển lãm đáng chú ý, với sự tham gia của 25 tượng chân dung các họa sĩ và nhà điêu khắc tiêu biểu khu vực phía Nam. Những nghệ sĩ này đã có những cống hiến quan trọng cho sự phát triển của nền mỹ thuật nước nhà trong suốt thời kỳ trước và sau năm 1975.

Lễ khai mạc triển lãm và buổi trao tặng 25 tượng chân dung nghệ sĩ mỹ thuật tiêu biểu cho Bảo tàng Mỹ thuật TP.HCM đã diễn ra vào sáng ngày 17-7. Sự kiện này không chỉ là dịp để giới thiệu những thành tựu nổi bật trong lĩnh vực điêu khắc tại TP.HCM mà còn là lời tri ân sâu sắc dành cho các nghệ sĩ đã và đang góp phần làm phong phú thêm nền mỹ thuật Việt Nam.

Triển lãm trưng bày 25 tượng chân dung được tạo ra bởi các nghệ sĩ tài năng, bao gồm các tác giả như Trương Hán Minh, Nguyễn Gia Trí, Huỳnh Phương Đông, Nguyễn Hoàng, Lê Thị Kim Bạch, Diệp Minh Châu, Nguyễn Hải, Đinh Rú… Đây là những cái tên tiêu biểu, đã và đang tạo nên những dấu ấn quan trọng trong lịch sử mỹ thuật Việt Nam từ trước đến sau năm 1975.

Ông Nguyễn Xuân Tiên, Chủ tịch Hội Mỹ thuật TP.HCM, cho biết triển lãm này mang đến một không gian văn hóa nghệ thuật đầy ý nghĩa tại Bảo tàng Mỹ thuật TP.HCM. Qua việc trưng bày những tượng chân dung này, Hội Mỹ thuật TP.HCM hy vọng sẽ lưu giữ được hình ảnh của các nghệ sĩ tiêu biểu bằng chính ngôn ngữ nghệ thuật. Điều này không chỉ giúp thế hệ trẻ ngày nay có cơ hội tiếp cận và tìm hiểu về những đóng góp của các bậc tiền bối mà còn là động lực để tiếp tục phát huy và kế thừa những giá trị quý báu trong nền mỹ thuật Việt Nam.

Triển lãm sẽ kéo dài từ ngày 17-7 đến hết ngày 4-8 tại Bảo tàng Mỹ thuật TP.HCM. Trong khuôn khổ sự kiện này, công chúng có thể thưởng lãm và tìm hiểu thêm về hành trình sáng tạo và cống hiến của các nghệ sĩ tiêu biểu cho nền mỹ thuật Việt Nam. Đây là cơ hội để khán giả thêm hiểu về sức sống mãnh liệt của nghệ thuật điêu khắc và tầm quan trọng của việc bảo tồn, phát huy di sản mỹ thuật dân tộc.

Thông qua triển lãm này, các thế hệ nghệ sĩ và công chúng có dịp nhìn lại hành trình phát triển của mỹ thuật Việt Nam, đặc biệt là qua góc nhìn của các nghệ sĩ điêu khắc tiêu biểu, từ đó có được cái nhìn sâu sắc hơn về sự đa dạng và phong phú của nghệ thuật điêu khắc Việt Nam trong suốt quá trình xây dựng và phát triển đất nước.

Ngày 18/7 vừa qua đã trở thành một dấu mốc buồn trong lịch sử nghệ thuật Việt Nam khi họa sĩ, nhà phê bình nghệ thuật Lê Thiết Cương qua đời tại Hà Nội, để lại những tiếc thương sâu sắc cho cộng đồng văn nghệ sĩ. Với phong cách hội họa tối giản đặc trưng, kết hợp giữa giáo lý Phật giáo và tinh thần nghệ thuật đương đại, ông đã để lại dấu ấn sâu đậm trong lòng công chúng yêu nghệ thuật.

Lê Thiết Cương sinh ra trong một gia đình có nền tảng nghệ thuật vững chắc. Cha ông là nhà biên kịch, nhà thơ Lê Nguyên, còn mẹ là nhà quay phim Đỗ Phương Thảo. Từ nhỏ, ông đã được tiếp xúc với thế giới nghệ thuật và bắt đầu học vẽ từ khi 11 tuổi. Tốt nghiệp khoa thiết kế mỹ thuật tại Trường Đại học Sân khấu – Điện ảnh Hà Nội, ông đã cống hiến cho nghệ thuật hơn nửa thế kỷ, không chỉ với vai trò là một họa sĩ mà còn là một nhà phê bình nghệ thuật có uy tín.

Phong cách sáng tác của Lê Thiết Cương gây ấn tượng với sự tối giản, thể hiện qua việc tiết chế tối đa các yếu tố như bố cục, đường nét và màu sắc. Đối với ông, sự tối giản không chỉ là một phong cách nghệ thuật mà còn là con đường dẫn đến sự minh triết và tinh thần trong nghệ thuật. Những tác phẩm của ông, từ tranh canvas đến tranh gốm và điêu khắc, đều thể hiện rõ ràng quan điểm này.

Không chỉ dừng lại ở sáng tác, Lê Thiết Cương còn được biết đến là một nhà phê bình nghệ thuật sắc sảo. Ông đã xuất bản nhiều cuốn sách về nghệ thuật, trong đó có ‘Thấy’ (2017) và ‘Trò chuyện với hội họa’ (2025). Những cuốn sách của ông không chỉ là tài liệu tham khảo quý giá cho người yêu nghệ thuật mà còn cho thấy khả năng phân tích và đánh giá sâu sắc của ông về các tác phẩm và xu hướng nghệ thuật.

Cuộc đời của Lê Thiết Cương cũng được đánh dấu bằng những mối quan hệ gần gũi và bền chặt với nhiều nghệ sĩ và văn nhân. Ông được nhớ đến như một người hào hiệp, trượng nghĩa, luôn sẵn sàng giúp đỡ bạn bè và đàn em trên con đường nghệ thuật.

Trước khi qua đời, Lê Thiết Cương đã hoàn thiện nhiều dự án nghệ thuật đầy tham vọng, bao gồm cả triển lãm và xuất bản sách. Di sản mà ông để lại không chỉ là những ấn phẩm và tác phẩm nghệ thuật quý giá mà còn là những kinh nghiệm và cảm hứng cho thế hệ nghệ sĩ và người yêu nghệ thuật Việt Nam.

Lê Thiết Cương đã ra đi, để lại bao niềm tiếc thương cho cộng đồng văn nghệ. Song, di sản nghệ thuật và những cống hiến của ông sẽ còn mãi, là nguồn cảm hứng và động lực cho những ai yêu nghệ thuật và đang trên hành trình theo đuổi đam mê của mình.

Thế hệ trẻ hôm nay đang tiếp tục phát huy và nâng tầm nghệ thuật sơn mài truyền thống của Việt Nam. Một trong những họa sĩ nổi bật trong giới hội họa Việt Nam, Chu Nhật Quang, đã và đang tiếp tục hành trình của mình trong việc tái hiện lịch sử dân tộc qua nghệ thuật sơn mài.

Sau triển lãm ‘Dấu thiêng’ tại Khu di tích Hoàng thành Thăng Long vào năm 2024, họa sĩ Chu Nhật Quang chuẩn bị giới thiệu 20 tác phẩm sơn mài khổ lớn tại triển lãm ‘Mùa xuân Độc lập’ nhân Kỷ niệm 80 năm Cách mạng Tháng Tám và Quốc khánh 2/9. Quá trình sáng tạo của họa sĩ Chu Nhật Quang bắt nguồn từ niềm đam mê và tình yêu với nghệ thuật sơn mài truyền thống của dân tộc.

Với 7 năm theo học nghệ thuật ở nước ngoài và tiếp thu tư duy hội họa phương Tây, nhưng Chu Nhật Quang đã lựa chọn sơn mài truyền thống của Việt Nam. Sự đam mê này đã được hun đúc từ những ngày tháng sống trong không gian căn hộ chật chội ở ngõ nhỏ Hà Nội của ông nội, Nghệ sĩ Nhân dân Chu Mạnh Chấn và cha, Nghệ sĩ Ưu tú Chu Lượng, hai họa sĩ sơn mài nổi tiếng.

Họa sĩ Chu Nhật Quang đã tìm tòi và phát huy kỹ thuật làm vóc tranh và tạo màu sơn mài truyền thống. Anh đã vượt qua được những giới hạn của sơn mài truyền thống để tạo ra nhiều màu thể hiện trong tranh. Không chỉ vậy, anh còn mạnh dạn tìm tòi và nghiên cứu thể hiện sơn mài trên những bức vóc khổ lớn liền khối từ nguyên liệu tái chế.

Triển lãm ‘Mùa xuân Độc lập’ sẽ diễn ra tại Bảo tàng Hồ Chí Minh, bao gồm 20 bức tranh cỡ lớn, trong đó có những bức lên tới gần 20m2. Nội dung của triển lãm giống như một hành trình qua từng sự kiện tiêu biểu của lịch sử dân tộc, với hình khối kiến trúc mang vẻ đẹp đặc trưng vùng, miền trong sự thống nhất chung của văn hóa dân tộc.

Điểm nhấn của triển lãm là các tác phẩm sơn mài hai mặt ‘Bác Hồ đọc Tuyên ngôn Độc lập’ và ‘Bắc Nam thống nhất’, mỗi bức nặng 2 đến 3 tấn. Hình tượng vị lãnh tụ kính yêu của dân tộc được thể hiện sinh động, khắc họa tầm vóc trí tuệ, sự bao dung cùng tình cảm của Người với đất nước và nhân dân.

Cùng với đó là loạt tranh khổ lớn mang tên ‘Con đường Bác Hồ’, tái hiện hành trình ra đi tìm đường cứu nước của Chủ tịch Hồ Chí Minh. Bức chân dung sơn mài lãnh tụ Nguyễn Ái Quốc năm 1920 cũng là một điểm nhấn của triển lãm, với hình ảnh phía trước là chân trời giải phóng rộng mở cho dân tộc.

Theo Nghệ sĩ Ưu tú Chu Lượng, ‘Cái hay và độc đáo là Quang sáng tạo tranh về đề tài lịch sử dưới con mắt cũng như cách hiểu của những người trẻ hôm nay. Tôi rất mừng vì họ đã biết cảm nhận, nghĩ về lịch sử đúng hướng và đã bắt đầu kế tiếp chúng tôi gánh trên vai trách nhiệm người nghệ sĩ với đất nước và dân tộc’.